Marina Ann llegó a Los Ángeles, California, con tan solo 18 años, y con un montón de ilusiones por conseguir vivir de lo que más le gustaba, el mundo del espectáculo. La joven se había criado al norte del estado, en su capital, Sacramento, una ciudad que siempre ha sido comparada para mal con la urbe angelina. Y es que es complicado estar en la misma liga que una ciudad donde viven el 80% de los famosos del planeta, donde las mansiones copan la mayoría del espacio, y hasta el aire parece tener magia. Los Ángeles se ha convertido en el sueño americano después de robarle a Nueva York esa esencia que mantenía a principios del siglo XX. Una ciudad soleada, gigantesca, con playas de arena fina y que ofrece oportunidades a todo aquel que las busca. La joven Marina Ann era una de tantas chicas que llegaba a Hollywood tratando de abrirse camino. Y lo consiguió.

Fue un gran sacrificio. Había dejado los estudios al graduarse en el instituto y ya llevaba un tiempo trabajando como camarera para costearse sus clases de actuación y baile. Era una chica diferente al resto y ella lo notaba. Más tarde reconocería haber sufrido un leve acoso en el colegio, más indiferencia que agresiones. Era como pasar desapercibida para todos, como si no pudiera encajar en ningún sitio. Tal vez por eso decidió marcharse a Los Ángeles en cuanto tuvo ocasión. Allí su vida cambió radicalmente, tanto que incluso escogió un nuevo nombre. Al año de estar en la ciudad de las estrellas, Marina ya era Sasha Grey, una de las actrices porno debutantes con popularidad. Internet ya había hecho despegar la industria a unos niveles nunca antes conocido, y había convertido en virales a esas jóvenes actrices que comenzaban a despuntar. Sasha era una de las más especiales porque tenía un carisma especial, diferente. Era capaz de seducir a la cámara con su belleza y su intensidad en cada escena, pero aspiraba a más. Nunca quiso ser “solo” una actriz de cine X, y cimentó su carrera para llegar a otras cotas, incluyendo el cine comercial.

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Hubo una época en el cine en la que se podían rodar películas totalmente absurdas y surrealistas, sin mucha historia detrás, pero divertidas. Y aquello era suficiente. No hacía falta soltar cien chistes por minuto, ni poner a personajes sarcásticos e intelectuales como protagonistas. Bastaba con ofrecer al público lo que quería, como chicas semidesnudas corriendo por una granja. Comedias de enredos con toques picantes, que costaban unos pocos miles de dólares pero se convertían en filmes de culto casi al instante. Largometrajes que hoy en día son considerados como influencia imprescindible para mitos como los hermanos Farrely o Quentin Tarantino. Hablamos de la moda de las películas de sexplotation, un género que se desarrolló a finales de los 60 y durante todos los 70, especialmente en Estados Unidos. Encontramos también ejemplos en Europa, pero el cine de explotación estadounidense fue el más original y también el pionero en este tipo de producciones.

Eran películas baratas y populares, por lo tanto, solían ser rentables. Sus guiones no eran demasiado profundos, y no necesitaban enfrentar a sus héroes a grandes obstáculos, o sumergirlos en dramáticas situaciones. Solo tenían que hacer reír, y ofrecer un divertimento sin pretensiones al público. El llamado estilo camp se impuso a finales de los años 60 en el cine y la televisión, con ese toque naif y totalmente blanco que gustaba a todos. El Batman de Adam West, por ejemplo, es una representación perfecta de aquel estilo desenfadado y colorido. Como aquello triunfaba tanto, algún visionario decidió llevar ese estilo también al cine picante. El porno comenzaba su auge, pero aquellas películas solo podían ser exhibidas en unos pocos cines. ¿Por qué no crear algo igualmente picante, pero sin escenas explícitas, que pudiera tener más recorrido en salas? Dicho y hecho. El género sexplotation tuvo un impacto brutal en la cultura americano de los años 70, y buena parte de la culpa fue de Russ Meyer. El cineasta, hoy idolatrado por las masas, pasó de filmar documentales de guerra a sus veinte años a crear un sello distintivo dentro del cine softcore.

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La prostitución ha sido siempre un trabajo denostado y marginado, como el último reducto para las mujeres. Ya de por si estigmatizadas por su propio sexo, el hecho de dedicarse a este tipo de servicios no hacía más que acrecentar esa maldita carga sobre sus hombres. Curiosamente, la prostitución ha existido desde siempre, y sigue existiendo en todo el mundo, incluyendo los países que la tienen “prohibida”. Son millones las mujeres que se dedican a este tipo de placeres en todo el planeta, en una proporción mucho mayor a la de los hombres. Y es que los que consumen sexo de pago son ellos, varones tanto heterosexuales como homosexuales. En los últimos tiempos, los gigolós también se están volviendo muy populares y la libertad sexual imperante hace que muchas mujeres también quieran disfrutar de ellos. Sin embargo, la imagen prototípica de la prostitución es la de una chica joven, necesitada de dinero, atractiva y que busca en el placer la salida a toda su oscuridad.

Sin embargo, el cine no ha querido llevar esa imagen a las películas en muchas ocasiones. Ha preferido mostrarnos una visión mucho más edulcorada, como de cuento de hadas. Pasó con Irma la Dulce, luego con el hit que supuso Pretty Woman, y poco después, también con poderosa afrodita. La prostituta ya no era una chica de los bajos fondos, sino una joven ingenua, fuerte e independiente, que tenía dudas y se enamoraba, como cualquiera de nosotros. En un intento por “normalizar” a estas mujeres, los directores y guionistas de estas películas obviaban, a propósito, todo el contexto en el que su trabajo se desarrolla. Y es que cuando una chica se emplea como amante profesional debe pasar por situaciones que están lejos de ser precisamente idílicas. Deben trabajar para clientes que obviamente no les van a a atraer para nada, y hacerlo con ellos de la misma forma. Deben ser profesionales, pero también tienen sus propios sentimientos, sus emociones. Y eso es lo que vemos en Poderosa Afrodita, el acercamiento del genio de Manhattan Woody Allen a este tema.

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Cuando a finales de los años 20 el cine sonoro empezaba a llamar la atención y las películas contaban con una nueva forma de expresión más allá del simple aspecto visual, Charles Chaplin ya se había convertido en uno de los actores más relevantes y destacados del mundo. Su personaje, Charlot, un alter ego al que interpretó en numerosas producciones, no requería de ningún diálogo sonoro para expresar todo lo que llevaba dentro. De hecho, se cuenta que el propio Chaplin no veía con buenos ojos la introducción del sonido en el cine, especialmente por los diálogos. El artista llegó a confesar que solo le daba tres años a aquellas películas sonoras, algo que sin duda tuvo que retirar tiempo después, cuando incluso él mismo se lanzó a la modernidad de aquellos tiempos en el cine. La primera película en la que utilizó música y algunos efectos de sonido fue Luces en la Ciudad.

Para algunos, esta es la mejor producción de Chaplin. El American Film Institute la considera como una de las mejores películas de la Historia, y la mejor comedia romántica de todos los tiempos, aunque seguramente muchos no la incluirían en ese género. Estrenada en 1931, la película sigue contando hoy con toda la vigencia del mundo, a pesar de haber pasado casi un siglo. A pesar de mantener la línea de los diálogos en pantalla, a la manera del cine mudo, Luces en la Ciudad con tiene ningún problema a la hora de exponernos una historia tierna y dulce, llena de momentos emocionantes y que hacen que uno se reconcilie con la Humanidad. Fue además la primera película en la que Chaplin se encargó de la banda sonora, por motivos obvios, ya que anteriormente todo su cine había sido completamente mudo. En este artículo vamos a profundizar un poco más en todo lo que el genio londinense fue capaz de crear para una de las películas más memorables del Hollywood antiguo.

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Durante la década de los años 30, la productora estadounidense Universal Pictures, una de las pocas que siguen en pie casi un siglo después, empezó a destacar gracias a una serie de películas basadas en monstruos clásicos. Hoy por hoy, eso de unir a diversos personajes dentro de un mismo universo cinematográfico y juntarlos en varias películas, además de tener las suyas propias, parece algo exclusivo de los superhéroes. Sin embargo, hace 90 años que Universal ya creo su propio universo cinematográfico de monstruos clásicos donde aparecían desde Drácula a Frankenstein, pasando por El Hombre Lobo, el Hombre Invisible y también La Momia. Este personaje estereotipado era el único que en realidad no tenía un gran trasfondo detrás, ni partía de un personaje icónico concreto, sino más bien de una visión legendaria de estas misteriosas momias egipcias que fueron encontradas poco antes por los británicos.

Aquellas películas de monstruos de la Universal son vistas hoy desde una perspectiva muy ingenua, porque estábamos hablando de filmes que tienen ya casi un siglo. Sin embargo, sirvieron como punto de base para todo el terror que vino después, y fueron imprescindibles para que grandes creadores de mediados de siglo comenzara a interesarse por este tipo de género. A finales del siglo XX, Universal decidió que era el momento oportuno para realizar un remake de esta saga, y devolver a La Momia al lugar que le correspondía. Al contrario de los otros personajes, que habían tenido diversas encarnaciones en los años 60 y 70, la Momia no parecía encajar tanto en el género de terror que se hacía en la época. Por eso Universal entendió que era mucho mejor convertirla en una película de aventuras. Y fue la mejor decisión que pudieron tomar.

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